Candle Cove: El programa fantasma que expuso tus recuerdos falsos

Candle Cove: El fenómeno que convirtió la nostalgia en paranoia colectiva y nadie supo explicar

La memoria no es confiable, y eso no es una opinión, es un dato. Antes de que los algoritmos decidieran qué recordar por ti, internet ya había encontrado la forma de demostrarlo con una historia que jamás ocurrió. Candle Cove no existió en ninguna televisora mexicana ni extranjera, sin embargo, hay adultos que juran haberlo visto. Esa contradicción no es un error, es la base de uno de los ejercicios de horror psicológico mejor ejecutados dentro de Plétora Network, donde el análisis de lo viral y lo perturbador encuentra terreno fértil.

Kris Straub escribió esta historia en 2009, pero no nació como una creepypasta. El propio autor ha dejado claro que el término le quedó grande y reduccionista. Lo que Straub armó fue un experimento narrativo con formato de foro, simulando conversaciones de sitios reales como RetroJunk o Metafilter. La genialidad no estuvo en los monstruos, sino en la estructura: lectores presenciando cómo extraños reconstruyen recuerdos que nunca debieron tener. Ahí empezó el desmadre.

La versión definitiva de Candle Cove no fue la primera. Straub escribió dos borradores previos: uno más cercano al humor absurdo, otro al surrealismo sin ancla. El giro final que todos recuerdan —”mi mamá decía que me quedaba viendo la estática”— no existía en los originales. Lo añadió después, como un gancho emocional para dejar claro que el horror no estaba en la pantalla, sino en la cabeza del niño. Ese cambio convirtió una anécdota extraña en una herida abierta sobre cómo construimos realidad desde la infancia.

Y aquí el detalle que pocos mencionan: Straub nunca pensó Candle Cove como algo “para asustar”. Lo escribió para jugar con la memoria y la nostalgia. Que terminara dando pesadillas fue un efecto secundario, no el objetivo. Eso explica por qué odia que le llamen creepypasta. Pero la comunidad hizo lo que mejor sabe hacer: etiquetar, apropiar y distorsionar.

El personaje más perturbador del programa ficticio, el despellejador (Skin-Taker), tiene un significado que casi nadie descifra. No se trata de violencia literal. Straub confirmó que el nombre representa el miedo infantil a perder la piel: identidad, inocencia, seguridad. En otras palabras, el verdadero horror de Candle Cove no era un titiritero sádico, sino la transición inevitable hacia un mundo donde nada te protege. Eso duele más que cualquier susto barato.

La serie Channel Zero ignoró esta sutileza, porque el entretenimiento mainstream necesita explicaciones sobrenaturales. Ahí inventaron que el programa era maldito, que controlaba niños y tenía origen mágico. Nada de eso aparece en el texto original. Straub lo permitió, pero dejó claro que no es canon. La diferencia entre el horror psicológico y el horror comercial se resume en esa decisión.

Cuando un cuento se vuelve estudio académico

Candle Cove logró algo que muy pocas ficciones digitales consiguen: ser analizada en universidades como caso de estudio sobre memoria colectiva, horror liminal y folclore moderno. No es para menos. Después de su publicación, miles de usuarios juraron haber visto el programa. Algunos describieron escenas completas. Otros compartieron “recuerdos” de marionetas que nunca existieron. Eso no es magia negra, es el efecto Mandela aplicado a la nostalgia infantil, potenciado por un formato que imita conversaciones reales en foros de TV retro.

Straub escribió una secuela que casi nadie conoce: Ichor Falls. Ahí, Candle Cove aparece como parte del folclore de un pueblo maldito, integrándose a un universo más amplio. Pero el público no la recibió con el mismo fervor. Porque lo que hizo grande a Candle Cove no fue su mitología, sino su ambigüedad. Cuando intentas explicar el misterio, matas lo que lo hace funcionar.

Crunchyroll Anime Awards: Young Miko, BamBam y más estrellas se apuntan a la ceremonia

La espera está por terminar. Los Crunchyroll Anime Awards 2026 celebrarán su décima edición el próximo 23 de mayo en Tokio, y la lista de presentadores no para de crecer con nombres que conectan el mundo del anime con la música, el cine y las redes sociales. La más reciente en sumarse es Young Miko, la cantante y compositora puertorriqueña que irrumpió en la escena del trap latino con su estilo único y letras que no piden permiso. Su presencia es un guiño directo a cómo el anime ha permeado en géneros musicales que parecían lejanos.

Junto a ella, otro nombre que hará vibrar a los fans del K-pop: BamBam, miembro de GOT7, estará en el escenario para presentar una de las categorías. El cantante tailandés ha declarado en múltiples entrevistas ser un gran consumidor de anime, y su estilo enérgico encaja perfecto con la vibra de la ceremonia. Tampoco podía faltar TEN, el talentoso integrante de WayV y NCT, que ha demostrado su versatilidad no solo en la música sino también en el baile y la actuación. El anime y el K-pop son dos mundos que han crecido juntos, y esta alianza lo confirma.

La fiesta no se queda solo en el escenario principal. Crunchyroll ha preparado una alfombra roja para fans donde los asistentes podrán caminar como si fueran las estrellas, además de activaciones interactivas y estaciones de maquillaje temporal con los personajes más icónicos de la temporada. Los asistentes también podrán disfrutar de food trucks temáticos y áreas de descanso diseñadas con estética de anime. Tokio será el centro del universo geek por un día, y la ciudad ya se está preparando para recibir a fans de todo el mundo.

La transmisión en vivo estará disponible en el canal oficial de YouTube de Crunchyroll y en su sitio web, con opción de subtítulos en varios idiomas, incluyendo el español. La cita es el 23 de mayo a partir de las 19:00 horas (hora de Japón), lo que significa que en México podremos verla por la mañana. Así que ya sabes: prepara tus snacks, carga bien tus dispositivos y no te pierdas esta celebración del anime en su máxima expresión. Porque si algo quedó claro con esta edición, es que el anime ya no es un gusto de nicho: es un fenómeno global que convoca a las estrellas más brillantes de la música, el cine y las redes sociales.

En Plétora Network, estaremos al tanto de todos los ganadores y momentos más épicos de la ceremonia. La décima edición promete ser histórica, y con estos presentadores de lujo, el espectáculo está garantizado. Young Miko, BamBam y TEN son solo el inicio; aún quedan sorpresas por revelar. Mantén los ojos bien abiertos.

Gokú: secretos, transformaciones y las lecciones de vida que nos regaló sin que nos diéramos cuenta

Si hablamos de personajes que marcaron generaciones, Gokú está en el podio. No solo por sus batallas épicas o sus gritos que rompían televisores, sino porque detrás de ese guerrero de cabello puntiagudo hay un montón de capas que pocas veces nos detenemos a analizar. Desde su origen como Kakarot, un bebé saiyajin enviado a la Tierra para conquistarla, hasta convertirse en el héroe que ha salvado el universo incontables veces, Gokú es mucho más que un personaje de anime: es un fenómeno social y filosófico que nos enseñó, sin sermones, que la fuerza no solo está en los músculos, sino en el corazón y en la capacidad de nunca rendirse.

Gokú nació en el planeta Vegeta, hijo de Bardock y Gine, y su nombre original era Kakarot. Fue enviado a la Tierra como un bebé con la misión de destruir a los humanos, pero un accidente (golpearse la cabeza) borró su memoria y le cambió la vida. Criado por el abuelo Gohan, aprendió valores completamente opuestos a los de su raza: bondad, empatía y justicia. Ese contraste entre su naturaleza saiyajin y su educación humana es lo que lo hace único. Además, Akira Toriyama se inspiró en Sun Wukong, el Rey Mono de la novela Viaje al Oeste, otro personaje que pasa de ser un ser salvaje a un protector. Esta dualidad es clave para entenderlo: Gokú no es bueno porque le tocó, es bueno porque eligió serlo.

Todos recuerdan el primer Super Saiyajin. Ese momento en que Freezer mata a Krilin y Gokú explota en una furia dorada que nos dejó con la boca abierta. Pero cada transformación posterior (Super Saiyajin 2, 3, Super Saiyajin Dios, Ultra Instinto) no solo es un power-up comercial; representa una filosofía de vida. Cada vez que Gokú alcanza un nuevo nivel, es porque sobrepasó un límite que él mismo creía imposible. El Ultra Instinto, por ejemplo, es la máxima expresión de dejar de pensar para actuar, una metáfora de la fluidez y la confianza plena en uno mismo. En un mundo donde nos enseñan a dudar constantemente, Gokú nos recuerda que a veces hay que confiar en el entrenamiento y soltarse.

La relación de Gokú con Vegeta es uno de los arcos más ricos de Dragon Ball. Comenzaron como enemigos mortales, con un Vegeta obsesionado con superar al “tercer clase”. Pero con el tiempo, esa rivalidad se convirtió en respeto y hasta en amistad. Vegeta representa el orgullo, la ambición y el trauma de un príncipe que perdió su planeta; Gokú, en cambio, es la humildad y el desinterés. Juntos, demuestran que las diferencias no tienen que separarnos, sino que pueden hacer más fuerte a un equipo. Su fusión como Vegetto es el ejemplo perfecto: cuando dos opuestos se complementan, pueden enfrentar cualquier amenaza. Filosóficamente, es una lección sobre la cooperación y el respeto mutuo, algo que nuestra sociedad individualista necesita escuchar más seguido.

En Japón, Gokú es tan reconocido como Mickey Mouse. En México, es parte del ADN de los nacidos en los 80 y 90. Pero su impacto va más allá de la nostalgia. Gokú encarna el espíritu de la superación personal en su forma más pura. No es un héroe perfecto: es distraído, a veces irresponsable, obsesionado con pelear. Pero también es leal, incansable y profundamente bondadoso. En una época donde los héroes son cada vez más grises y moralmente complejos, Gokú sigue siendo un faro de optimismo terco. Su lema no es “con gran poder viene gran responsabilidad”, sino “si me caigo, me levanto y entreno más”. Esa filosofía, tan sencilla como brutal, ha inspirado a millones a no rendirse ante sus propios Freezer personales.

Más allá de lo épico, Gokú tiene detalles humanos que lo acercan. Su apetito insaciable (es capaz de devorar toneladas de comida después de una pelea) lo hace ridículamente real. A pesar de estar ausente en momentos clave por estar entrenando o muerto (sí, varias veces), siempre se preocupa por Gohan y Goten. Y aunque Vegeta se la pasa quejándose de que Gokú es el más fuerte, la verdad es que su poder no viene de la arrogancia, sino de una humildad que le permite aprender de todos, incluso de sus enemigos. De hecho, una de las lecciones más profundas de Gokú es que el rival de hoy puede ser el aliado de mañana, como pasó con Piccolo, Vegeta y hasta el mismísimo Freezer en el torneo de poder.

En un mundo donde el éxito se mide por resultados inmediatos y la cultura del esfuerzo a veces se confunde con explotación, Gokú nos recuerda que la verdadera recompensa es el proceso, no el trofeo. Él no pelea por ser reconocido. Pelea porque ama pelear, ama superarse y ama proteger a los suyos. Esa motivación intrínseca es un antídoto contra la necesidad de validación externa. Además, Gokú nunca descarta a nadie por débil. Él ve potencial en cada persona, y esa es quizás su cualidad más revolucionaria en una sociedad que constantemente etiqueta y descarta. Gokú nos invita a mirar más allá de las apariencias y a dar segundas oportunidades.

En Plétora Network, sabemos que los personajes como Gokú no son solo entretenimiento. Son espejos donde vemos nuestras propias luchas y aspiraciones. Por eso hoy celebramos no solo al guerrero que grita “Kamehameha”, sino al niño que nunca dejó de crecer, al padre que siempre está dispuesto a dar su vida por los suyos, y al amigo que ve lo mejor en cada ser. Gokú no es perfecto, y esa imperfección es lo que lo hace eterno. Así que la próxima vez que lo veas enfrentarse a un dios de la destrucción o a un androide milenario, recuerda que también te está diciendo: “Tú puedes. Solo tienes que levantarte una vez más”.

Dragon Pink (1994) sigue siendo un ejemplo claro de cómo el hentai de los 90 usaba la parodia RPG para crear comedia efectiva. Aventura, fanservice y humor ochentero en tres episodios directos. ¿La viste?

Diseño de personajes: propósito, trasfondo, motivación y coherencia. No es dibujar bonito, es contar sin palabras. Guía para creativos que quieren dejar huella.

Mexican Entertainment System Bundle: la oportunidad de descubrir lo mejor del desarrollo nacional en un solo paquete

Si eres de los que creen que en México no se hacen videojuegos, prepárate para cambiar de opinión. El Mexican Entertainment System Bundle es un paquete especial de Humble Bundle que reúne 12 títulos desarrollados por estudios mexicanos, con una calidad que no le pide nada a la competencia internacional. Lo mejor de todo: cuesta 12 dólares (unos 240 pesos mexicanos) y está disponible hasta el 21 de mayo de 2026. Es una ventana limitada para echarle un ojo a lo que el talento nacional está creando.

La variedad es impresionante. Hay para todos los gustos: desde plataformeros de alta velocidad hasta experiencias cozy para relajarse, pasando por RPG por turnos, juegos idle que progresan solitos mientras trabajas, y hasta multijugador paranormal. No es solo un puñado de títulos, es una verdadera muestra de la diversidad creativa que está surgiendo en la escena mexicana de videojuegos independientes.

¿Qué juegos incluye el bundle?

RKGK / Rakugaki (Wabisabi Games) es un plataformero 3D cargado de velocidad, precisión y mucha actitud. Si te gusta sentir el flow constante y la acción directa, este es tu juego. Pancito Merge es un adictivo juego de fusión inspirado en la repostería mexicana, perfecto para partidas rápidas y perseguir puntuaciones altas. Another Crusade combina exploración 3D con una estética de marionetas y combates por turnos donde el timing y la estrategia son clave. Mulaka (Lienzo) es acción y aventura inspirada en la cultura rarámuri (tarahumara), con escenarios que retratan el norte de México desde una perspectiva mitológica.

Para los que buscan algo más tranquilo, Lonesome Village es una experiencia cozy centrada en exploración y puzzles sin combate, donde salvar una aldea misteriosa es tan importante como disfrutar el viaje. A Tiny Sticker Tale es una aventura breve pero ingeniosa que convierte las calcomanías en la herramienta clave para resolver el mundo que te rodea. Idle Waters es un juego de pesca idle que vive en la parte inferior de tu pantalla, ideal para progresar mientras trabajas o juegas otra cosa. Desktop Fishes es un acuario idle en pixel art con genética, accesorios y un árbol de habilidades que convierte tu escritorio en un pequeño laboratorio acuático.

The End is Nahual: If I May Say So es una mezcla de novela visual y point-and-click que apuesta por lo surreal, lo experimental y lo impredecible. Re:Fresh es una aventura donde correr, saltar y restaurar la ciudad se entrelazan con una historia protagonizada por animales y robots. SO BELOW es una propuesta multijugador para cazar fantasmas en equipo… o traicionar al grupo convirtiéndote en uno. Y Pato Box es un híbrido de peleas y aventura con clara inspiración en los clásicos tipo Punch-Out, envuelto en estética de novela gráfica y narrativa de misterio.

Un bundle con causa solidaria

Además de poder jugar, el bundle apoya a Doctors Without Borders (Médicos Sin Fronteras). Desde 2010, Humble Bundle ha recaudado más de 278 millones de dólares para organizaciones benéficas gracias al respaldo de su comunidad. Así que comprar este paquete no solo es echarle un ojo a los creadores mexicanos, también es aportar un granito de arena para una causa importante.

¿Vale la pena comprarlo?

Si sumas el costo de cada juego por separado, el paquete representa un ahorro enorme. Pero más allá del dinero, es una oportunidad para descubrir títulos que probablemente no encontrarías en los escaparates más populares de Steam. El desarrollo de videojuegos en México ha crecido un montón en los últimos años, y este bundle es una muestra sólida de lo que se está cocinando. Apoyar estos proyectos es impulsar más historias, más creatividad y más proyectos que reflejan la diversidad y el potencial del desarrollo en todo el país.

En Plétora Network, donde el gaming independiente tiene un lugar especial, te recomendamos aprovechar esta oferta limitada. No solo por los juegazos que incluye, sino por lo que significa: poner el nombre de México en alto en una industria que cada vez nos mira más. Así que ya sabes, date una vuelta por Humble Bundle antes del 21 de mayo y hazte con este pedazo de paquete. El talento mexicano te lo va a agradecer.

Cine y rebeldía: de Citizen Kane a Brokeback Mountain, el arte que se atrevió a molestar

Desde sus inicios, el cine ha sido más que entretenimiento. En el mejor de los casos, ha sido un arte incómodo. Un espejo que no solo refleja, sino que señala. Por eso la rebeldía no es un accidente en la historia del cine: es su motor. Las películas que rompieron barreras no lo hicieron por accidente, sino porque sus creadores decidieron plantar cara a las normas, a los censores y a los dueños del poder. Este artículo no es una celebración ñoña de la creatividad. Es un recorrido por esas obras que, en su momento, fueron piedras en el zapato del sistema, y que hoy, con algo de suerte, siguen molestando.

Citizen Kane (1941): el debut que le declaró la guerra a Hearst

Orson Welles tenía 25 años cuando estrenó Citizen Kane. Y con esa película no solo revolucionó la narrativa cinematográfica (saltos en el tiempo, planos secuencia profundos, sombras expresionistas), sino que se atrevió a retratar a William Randolph Hearst, el magnate de la prensa más poderoso de Estados Unidos. La reacción no se hizo esperar: Hearst prohibió cualquier mención de la película en sus periódicos, presionó a las cadenas de cine para que no la proyectaran y hasta intentó destruir la carrera de Welles. La cinta fue un fracaso comercial en su momento, pero hoy es considerada una de las mejores de la historia. La rebeldía duele en el presente y se celebra en el futuro.

Psycho (1960): el horror se metió a la ducha sin pedir permiso

Alfred Hitchcock ya era famoso cuando lanzó Psycho, pero nadie esperaba lo que hizo. Mató a la protagonista en el primer tercio de la película (algo impensable en 1960), mostró un asesinato en pantalla con una crudeza que la censura quiso eliminar, y usó una música de violines que aún hoy produce escalofríos. Los críticos la recibieron con desprecio. El público hizo filas. Hitchcock demostró que el miedo no está en los monstruos disfrazados, sino en la cabeza de cualquiera que se meta a la regadera. La rebeldía no pidió permiso para cambiar el género de terror para siempre.

The Color Purple (1985): el rostro de la opresión racial y sexual

Steven Spielberg, el rey del blockbuster familiar, se atrevió a adaptar la novela de Alice Walker, que narra décadas de abusos contra mujeres afroamericanas en el sur de Estados Unidos. La película muestra violencia doméstica, racismo estructural y la lucha por la dignidad en contextos donde los pobres no tienen voz. Los sectores más conservadores la atacaron por “mostrar una imagen negativa de la familia”. Las audiencias negras la criticaron por haber sido dirigida por un hombre blanco. Pero la película abrió una conversación incómoda sobre quién cuenta las historias de los oprimidos. Y esa incomodidad, aunque imperfecta, es más valiosa que cualquier consenso tibio.

Brokeback Mountain (2005): dos vaqueros y una montaña que incomodó a medio mundo

Ang Lee llevó al cine una historia de amor entre dos hombres en el Wyoming más ranchero. La industria del entretenimiento había evitado sistemáticamente las relaciones homosexuales en el cine mainstream, o las trataba como chiste o como tragedia condenada. Brokeback Mountain no pidió disculpas. Mostró el amor, el deseo y el dolor con la misma naturalidad que cualquier historia heterosexual. La crítica la aplaudió, pero los sectores más conservadores la ridiculizaron, los cines en zonas rurales de Estados Unidos se negaron a proyectarla, y tuvo que sortear boicots. Aun así, ganó tres Oscar y abrió la puerta a que el cine comercial empezara (aunque fuera con cuentagotas) a tratar a las personas LGBTQ+ como seres humanos y no como estereotipos.

El cine rebelde no es un género. Es una actitud

Hoy, la rebeldía cinematográfica sigue viva, aunque a veces está mejor disfrazada. Pulp Fiction de Quentin Tarantino rompió la estructura lineal del cine narrativo y volvió cool la violencia absurda. El Padrino de Coppola humanizó a los mafiosos sin justificarlos, y obligó al público a simpatizar con monstruos. Parásitos de Bong Joon-ho se rió de los ricos y le recordó a la Academia que el cine no se habla solo en inglés. Cada una de estas películas incomodó a alguien con poder. Cada una fue atacada, ridiculizada o minimizada en su momento. Y cada una sobrevivió a sus críticos.

En Plétora Network, creemos que la rebeldía no es un lujo estético: es una necesidad. Las historias que rompen barreras no nacen en los comités de aprobación de los estudios; nacen en cabezas que se niegan a repetir lo mismo que todos. La próxima vez que una película te moleste, que te saque de tu zona de confort, que te haga discutir con tus amigos en la salida del cine, no la descartes. Quizás estés viendo el primer capítulo de un cambio que apenas está empezando. Porque el cine no cambia el mundo por sí solo, pero sin él, los cambios tardarían mucho más en llegar.

Iké Boys: dos amigos en Oklahoma, un anime mágico y monstruos ancestrales. Celebra la amistad, el choque cultural y los power-ups de los 90. Disponible en Plétora Kids.

REUS: la herramienta de la Condusef que te protege de la publicidad financiera

La idea es sencilla: ¿cómo le haces para que los bancos, las aseguradoras y las Afores dejen de estar chingando con llamadas y correos que no pediste? Pues existe una herramienta gratuita que se llama REUS, que son las siglas de Registro Público de Usuarios. La creó la Condusef, que es la que nos defiende cuando hay broncas con servicios financieros. Y lo mejor de todo es que no cuesta ni un peso.

Esto es lo que hace: una vez que te inscribes, las instituciones financieras tienen prohibido contactarte para ofrecerte tarjetas, préstamos, seguros o cualquier otro producto. La ley las obliga a respetarlo. Pero ojo, no es un escudo mágico: solo aplica para bancos, aseguradoras, Afores y empresas de ese tipo. Si te llama una tienda departamental o un negocio que no es financiero, el REUS no lo bloquea, y ahí el que te puede ayudar es PROFECO, no la Condusef.

También es importante que sepas que el REUS no detiene las llamadas de cobranza. Si debes dinero y te están marcando para cobrarte, eso no lo bloquea. Tampoco bloquea llamadas políticas, de encuestas, de beneficencia, ni las que vienen del extranjero. Y si alguien te está marcando con un número falso (el famoso spoofing), tampoco puede hacer nada, porque ese es otro problema técnico más gacho. Entonces, el REUS sirve para la publicidad, no para todo lo demás.

El registro tiene una vigencia de dos años. O sea, te inscribes y quedas protegido por dos años; después de ese tiempo, te dan de baja automáticamente. Si quieres seguir protegido, tienes que volver a inscribirte, pero ya sabes cómo, nomás repites el trámite.

Ahora, ¿cómo le haces para inscribirte? Tienes tres formas, tú eliges la que más te guste. La más rápida y sencilla es en línea, en la página del gobierno. Entras acá: https://www.gob.mx/public/tramites/detalleTramite.xhtml?homoclave=CONDUSEF-00-014-E, buscas la opción que dice “Inscripción en el Registro Público de Usuarios (REUS)” y llenas el formulario con tu nombre, tu estado, tu correo y los números de teléfono que quieres proteger. El sistema te va a dar un número de identificación, guárdalo porque te va a servir si después tienes que hacer un reclamo.

La segunda forma es presencial. Te vas a una oficina de la Condusef (la que te quede más cerca), llevas tu identificación oficial, un comprobante de domicilio, un recibo telefónico y tu correo electrónico. Pides que te ayuden con la inscripción y listo. Esto es útil sobre todo si quieres registrar un teléfono que es privado, como el de la oficina, que por Internet no siempre se puede.

Y la tercera es por teléfono. Marcas al 800 999 8080 directo desde el número que quieres registrar. El operador te toma tus datos y te inscribe. Pero ojo, si ese número es privado, la línea no te va a servir, porque necesitas que el sistema detecte desde qué número marcas. Si es un número privado de oficina, mejor hazlo presencial.

Una vez que te inscribes, no es inmediato. Los bancos y las demás instituciones tienen un plazo de 45 días para actualizar sus bases de datos. Así que no te desesperes si la primera semana te siguen marcando, dales su tiempo. Si después de los 45 días te siguen chingando, entonces sí ya puedes actuar: guarda evidencia de las llamadas (qué número te marcó, qué día, a qué hora, qué empresa era) y presenta una queja en la Condusef. Ellos investigan y pueden multar a la empresa que no respetó tu registro. Y si es reincidente, la multa es más alta.

En el portal del REUS también puedes hacer otras cosas. Por ejemplo, puedes consultar si ya estás inscrito, modificar tus datos si cambiaste de número o de correo, actualizar la vigencia para que dure otros dos años, o darte de baja si ya no quieres estar en el padrón. Eso lo haces aquí: https://webapps.condusef.gob.mx/reus/ReusDW4/index.html.

Ahora, si quieres bloquear las llamadas de una forma más automática sin tener que estar metido en páginas del gobierno, una opción muy usada es Truecaller. Para usarlo, primero tienes que descargar la aplicación gratis desde tu tienda de aplicaciones. Una vez instalada, le das permiso para que acceda a tu lista de contactos, que es como la app reconoce quién te llama. Luego sigues las instrucciones para configurar tu cuenta, que es súper rápido y te guía paso a paso. Después de eso, la misma aplicación te muestra con colores si una llamada es spam o es de algún número confiable, y puedes bloquear los números molestos directamente desde ahí. También los puedes agregar a una lista de bloqueo para que no te vuelvan a marcar. Con Truecaller, la experiencia de usar el teléfono se vuelve mucho más tranquila, porque te quitas de encima a los que nomás llaman para ofrecer cosas que no pediste.

En Plétora Live, dentro de Puro Pueblo, sabemos que este tipo de herramientas cuestan trabajo de entender. Por eso te lo platicamos así, claro, como entre compas. Entonces ya sabes: si ya estás harto de que te marquen para ofrecerte tarjetas que no quieres, inscríbete al REUS. Comparte esta info con tu familia y tus vecinos, porque mientras más gente lo sepa, menos negocio tendrá el acoso telefónico. La ley está de tu lado, nomás hay que usarla.

Vultures – Scavengers of Death: combate táctico, estética PS1 y una actualización que afina el horror

Si eres de los que creen que el survival horror murió con las cámaras fijas y los pasillos mal iluminados, Vultures – Scavengers of Death llegó para demostrarte lo contrario. Desarrollado por Team Vultures y publicado por Firesquid Games, este título táctico por turnos ya está recibiendo reseñas muy positivas gracias a su atmósfera retro, su combate cerebral y una escasez de recursos que te hará llorar cada bala. Y ahora, con la actualización más reciente, el juego ya es jugable de principio a fin, con ajustes diarios para pulir lo que falta.

El juego te mete en la piel de un saqueador en un mundo postapocalíptico donde lo único que sobra es la muerte. La estética es deliberadamente low-poly con filtro VHS, evocando esos títulos de PlayStation 1 que te daban más miedo con píxeles que muchos juegos actuales con 4K. Las cámaras fijas, al estilo Resident Evil 2, te obligan a escuchar los pasos de las criaturas antes de verlas. Y el combate por turnos, con un sistema de puntos de acción, convierte cada encuentro en un rompecabezas mortal: apuntar a la cabeza, a las piernas o a pecho todo tiene consecuencias… y fallar puede ser la última decisión que tomes.

La comunidad ya está respondiendo. Las reseñas destacan la tensión constante, la narrativa ambiental construida a través de documentos esparcidos por el Valle de Salento y la Torre Eugénesis, y la inteligencia artificial de los enemigos que no perdona ni un paso en falso. Pero también señalan lo que el equipo ya está arreglando: munición avanzada que escasea a la mitad y al final del juego, errores de colisión donde los enemigos atraviesan objetos, y cinemáticas en tiempo real que a veces meten la cámara dentro de las paredes (lo que, hay que decirlo, a veces resulta más divertido que molesto).

El equipo de desarrollo ha sido transparente con los problemas conocidos. Por ejemplo, algunos textos poco frecuentes aún aparecen en inglés en ciertos idiomas, aunque prometen tenerlo listo para el lanzamiento oficial. También hay cierres inesperados en situaciones muy concretas (como morir por veneno mientras saqueas un objeto), y al menos tres logros de Steam (Journalist, Telenovela y Cartographer) están rotos. Pero lo importante es que están corrigiendo todo en actualizaciones diarias, y la versión actual ya permite recorrer el juego completo sin bloqueos.

El equilibrio de dificultad y recursos es uno de los puntos más discutidos. La munición para armas avanzadas es tan escasa que el jugador se ve obligado a rematar enemigos con el cuchillo, evitar peleas o usar sigilo para obtener ventaja. Esto no es un bug: es una decisión de diseño que refuerza el tono de survival horror clásico. Pero en la mitad y el final del juego, algunos jugadores reportan que la escasez se vuelve extrema, y el equipo está ajustando constantemente la balanza para que el desafío no se convierta en frustración.

En términos de recepción, la crítica especializada lo describe como un “experimento fascinante” que mezcla lo mejor del terror táctico con la nostalgia técnica de los 90. No es un juego para todos: exige paciencia, planificación y tolerancia a ciertos errores propios de un título en desarrollo activo. Pero para los amantes del género, es una joya en bruto que promete convertirse en un clásico de culto cuando salga la versión final.

En Plétora Network, donde el gaming independiente tiene su espacio, seguimos de cerca este tipo de lanzamientos porque representan lo que la industria grande ya no arriesga: atmósfera sobre presupuesto, creatividad sobre fórmulas. Si te gustan los juegos que te obligan a pensar cada bala y a sudar frío en cada esquina, Vultures – Scavengers of Death ya está en Steam con actualizaciones diarias. Y si encuentras un error, no te enojes: es parte del proceso de hacer un juego que realmente importa.

MollyRedWolf sigue consolidando su reinado en el cosplay geek con producciones cada vez más profesionales y presencia fuerte en TikTok y OnlyFans. Un caso real de trayectoria digital sostenida.

Mad God: 30 años de stop-motion infernal. Sin redención, sin respiro, sin moraleja. Una obra de culto para quienes el cine no tiene que ser cómodo. Disponible en Plétora Red.

Falta de condiciones: cuando la precariedad se defiende como “autenticidad” y el maltrato se vuelve costumbre

Hace unos días nos invitaron a una proyección. No como organizadores, sino como Puro Pueblo: para acompañar, para estar, para registrar si se podía, para tender una carpa más en el territorio. La película era nuestra, pero la convocatoria era de otras personas. Fuimos porque creemos en el encuentro y porque dijimos que sí. Llegamos y nada estaba listo. No había luz. No había condiciones básicas. Tuvimos que conectar un regulador que, en medio de la instalación, simplemente se quemó. No fue un sabotaje. Fue negligencia. O peor: fue normalización de lo precario disfrazada de “chamba independiente”.

Alguien nos salió al paso con altanería: “¿Ustedes quiénes son?”, “¿qué hacen?”, “no pueden grabar”. La misma persona que nos había invitado, ahora nos miraba con distancia. Como si fuéramos un estorbo. Como si nuestra presencia – que es gente ayudando gente – fuera una amenaza para su control del evento. No proyectamos. Decidimos irnos. Y entonces ocurrió lo más revelador: cuando nos retiramos, nos dijeron que primero teníamos que “hablar con la delegada”. No con quien nos invitó. No con la organización real. Con una figura de autoridad improvisada. Nos quisieron detener con mentiras, con amedrentamiento. Ya saben: el clásico “aquí nadie se va hasta que yo lo decida”.

Y al final, el remate: “son poco profesionales”. Nos quemaron un regulador por las malas condiciones. Nos trataron como intrusos en un lugar al que nos invitaron. Y lo poco profesional, al parecer, fue negarnos a seguir en un espacio donde no había ni respeto básico. Esa frase es la joya de la corona del sistema: cuando te exigen profesionalismo pero te dan condiciones de cómo sea, el problema no eres tú. El problema es que ellos ya normalizaron que las cosas puedan funcionar mal y que la gente se aguante. Peor aún: lo defienden como si fuera una virtud.

Salimos de ahí con una reflexión que escuece más que el regulador quemado: hay personas y espacios tan acostumbrados a ser tratados como menos, que cuando alguien aparece con una expectativa mínima de dignidad –luz, trato cordial, claridad en los roles– esa persona se convierte en el problema. La cultura de la precariedad no es solo falta de recursos. Es también una forma de relacionarse donde el maltrato es moneda corriente, donde la improvisación se vende como “autenticidad”, donde cualquier exigencia de condiciones básicas es vista como un capricho de gente “difícil”.

Y en ese terreno, Puro Pueblo es incómodo. Porque nosotros no normalizamos. No decimos “ya ni modo”. Si no hay luz, no podemos grabar. Si nos hostigan, nos vamos. Si nos quieren retener con artimañas, decimos no. No por soberbia. Por coherencia. Porque hemos visto cómo esa lógica de “aguantar para quedar bien” es la que perpetúa que los espacios independientes sigan siendo infiernos de falta de planeación, de explotación disfrazada de mística, de relaciones de poder donde el invitado termina siendo el culpable. Es el cuento eterno: “te invitamos, pero te tratamos como si te hicieramos un favor”.

No pudimos proyectar. Pero aprendimos algo valioso: hay lugares a los que no debemos volver, no por su origen o su contexto, sino porque en ellos la falta de condiciones no es un accidente: es un sistema. Un sistema donde las personas que invitan también maltratan, donde la delegada de última hora tiene más poder que la palabra empeñada, donde lo mínimo se defiende como si fuera un lujo. Y ese sistema no es casual: es el reflejo de una cultura que confunde la escasez con “honestidad” y el desorden con “libertad creativa”. Spoiler: no lo es. Es soberbia disfrazada de humildad.

Plétora no va a competir en esa cancha. No vamos a “aguantar” para caer bien. No vamos a sacrificar a nuestro equipo, ni a nuestro material, ni a nuestra gente, por el privilegio de estar en un lugar que nos trata como molestia. Puro Pueblo significa también saber cuándo retirarse. Con dignidad. Con la herramienta quemada y la lección aprendida. El regulador murió. La proyección no ocurrió. Pero la casa sigue en pie. Y ahora sabe una cosa más: a qué lugares no volver, y a quiénes no hay que invitar. No por desprecio, sino por estadística.

En Plétora Live, dentro de La Joya de la Corona, abrimos esta crónica no para llorar sobre la leche derramada, sino para preguntar: ¿por qué hay personas que defienden tan ferozmente tener tan poco? ¿Por qué el maltrato se vuelve costumbre y la exigencia de condiciones se castiga como falta de profesionalismo? ¿Por qué el que pone el cuerpo y el equipo es siempre el que termina pidiendo perdón? No tenemos todas las respuestas. Pero esta Joya la abrimos para conversar sobre eso. Porque mientras haya espacios que funcionan así, habrá personas que seguirán pensando que la cultura independiente tiene que doler. Y nosotros creemos que doler no es parte del pliego petitorio. Es una estupidez que nos vendieron como sacrificio.

Demon Lord: Just a Block – el roguelite donde tú decides cuándo se mueve el mundo. 24 jefes, 14 armas y ritmo táctico o rápido, como prefieras. Disponible en Steam.

AI-translated: velocidad, ahorro y una industria de traductores que se mira al espejo

La traducción automática no es nueva, pero lo que ocurrió entre 2024 y 2026 sí marcó un antes y un después. Los sistemas dejaron de traducir palabra por palabra para empezar a interpretar intención, tono y contexto. Google DeepMind presentó en 2025 un modelo de traducción voz‑a‑voz en tiempo real con solo dos segundos de retraso, capaz de mantener la voz original del hablante. Adiós a las voces robóticas de la década pasada. Hoy, la IA no solo dice lo mismo, sino que intenta sonar como tú. El problema es que sonar como alguien y entender lo que realmente quiso decir no es lo mismo.

La tecnología avanzó también en el terreno semántico. Los modelos actuales ya no se tragan metáforas ni se estrellan con el humor. Pueden distinguir entre una orden y una sugerencia, entre un chiste y un insulto. Eso es un salto cualitativo. Pero también es una trampa: cuando la IA empieza a “interpretar”, también empieza a introducir sesgos de sus datos de entrenamiento. Lo que gana en fluidez lo pierde en neutralidad. Y en contenidos sensibles —salud, leyes, política— ese margen de error sigue siendo inaceptable.

En el mundo del anime, los videojuegos y el entretenimiento global, la AI-translated ya es una realidad cotidiana. Plataformas como Crunchyroll o Netflix la usan para agilizar subtitulados y, en algunos casos, para generar doblajes sintéticos. La ventaja es evidente: un episodio se traduce en minutos, no en días. El costo se desploma. El problema es que la calidad aún es errática. Una frase mal interpretada puede arruinar una escena clave, un gag o un giro dramático. Y el espectador promedio no siempre sabe si el error fue de la IA o del guion original.

Mientras tanto, los traductores humanos miran el horizonte con justificada inquietud. No porque la IA los vaya a reemplazar mañana, sino porque la industria ya empezó a precarizar sus condiciones argumentando que “la IA hace el 80% del trabajo”. La realidad es que ese 20% restante —matices culturales, referencias locales, modismos, emociones complejas— sigue siendo territorio humano. Pero en un mercado obsesionado con la eficiencia, pagar por ese 20% se vuelve un lujo que muchos estudios están dispuestos a omitir.

Un avance reciente que merece atención es la traducción multimodal: modelos que combinan voz, texto y contexto visual para mejorar la precisión. Esto permite, por ejemplo, traducir un video completo considerando no solo lo que se dice, sino también lo que aparece en pantalla (letreros, fechas, nombres propios). En 2026, esta tecnología aún es experimental, pero apunta a resolver uno de los grandes pendientes: la traducción de contenido visualmente denso como el anime, donde la imagen también narra.

Otra tendencia que está ganando terreno es la traducción con resumen simultáneo, ideal para conferencias, clases magistrales y eventos corporativos. La IA no solo traduce, sino que condensa, prioriza información y mantiene el hilo de múltiples hablantes. Es una herramienta poderosa para la educación global, pero también plantea preguntas incómodas: ¿quién decide qué es relevante resumir? ¿Qué información se pierde en el proceso? La eficiencia nunca es neutral.

En el terreno de la integración empresarial, la AI-translated dejó de ser una herramienta externa para convertirse en una función nativa de plataformas de videollamadas, suites de oficina y sistemas de soporte al cliente. Hoy puedes tener una reunión en Zoom con participantes de cinco países diferentes, y la IA traduce en tiempo real con voces sintéticas personalizadas. Es impresionante. También es aterrador. Porque cuando la tecnología se vuelve invisible, también se vuelve incuestionable.

En Plétora Network, no estamos en contra de la traducción automática. Estamos en contra de venderla como una solución mágica cuando aún arrastra problemas de sesgo, precisión y falta de sensibilidad cultural. La AI-translated rompe barreras, sí. Pero también levanta otras nuevas: la barrera de la calidad, la barrera de la confianza y la barrera de una industria laboral que se está reconfigurando sin consensos claros. La innovación no debería ser sinónimo de despido silencioso.

Crunchyroll lanza oferta global de membresía premium: 35 países, 14 días y puro anime sin interrupciones

Si eres de los que están pegados a Crunchyroll viendo Chainsaw Man, Witch Hat Atelier o Daemons of the Shadow Realm, esto te va a interesar. La plataforma acaba de soltar una oferta global de membresía premium con motivo del Ani-May, su celebración de un mes que incluye streaming, gaming, tienda y hasta eventos presenciales. Y ojo, porque la promo aplica tanto para nuevos como para antiguos fans (sí, los que ya estaban también pueden aprovechar).

La oferta estará vigente del 7 al 21 de mayo en más de 35 países, y en México tenemos acceso directo. Los precios varían por región, pero la idea es clara: menos excusas para no ver anime sin comerciales, sin interrupciones y con la mejor calidad. En Estados Unidos, por ejemplo, la membresía Crunchyroll Fan se queda en 1.99USDalmes∗∗portresmeses,yla∗∗MegaFan∗∗en∗∗1.99USDalmes∗∗portresmeses,yla∗∗MegaFan∗∗en∗∗2.99 USD al mes en el mismo periodo. Acá en México los precios suelen ser aún más accesibles, así que es momento de estar atentos.

¿Qué incluye? Depende del nivel que elijas. Con Crunchyroll Fan tienes acceso al catálogo completo sin anuncios, puedes ver en dos pantallas al mismo tiempo y guardar tu historial. Con Mega Fan subes a cuatro pantallas, puedes ver offline (ideal para viajes en metro o carretera) y además tienes beneficios en la Crunchyroll Store, como descuentos y acceso anticipado a mercancía. Nada mal para lo que cuesta una kombucha en cualquier café de moda.

El timing no es casualidad. La oferta llega justo cuando la plataforma está estrenando títulos pesados como Chainsaw Man – The Movie: Reze Arc (sí, la que muchos esperaban desde su estreno en cines), Witch Hat Atelier y Daemons of the Shadow Realm. Además, el 23 de mayo se celebran los Crunchyroll Anime Awards en su décima edición, donde nominados como Solo Leveling, The Apothecary Diaries y My Hero Academia competirán por el prestigioso premio a “Anime del Año”. Justo a tiempo para ponerte al día con las series nominadas.

Ahora, si revisas la letra chica (porque siempre hay que leerla), la oferta aplica en territorios como Estados Unidos, Canadá, Perú, Colombia, Chile, Brasil, Australia, Nueva Zelanda, Singapur, Filipinas, Indonesia, Malasia, Arabia Saudita, Emiratos Árabes, Sudáfrica, España, Alemania, Reino Unido, Francia, Italia, México e India. En algunos países como México, India, Indonesia y Tailandia, la promoción se extiende hasta el 31 de mayo. Así que hay margen para no perderla.

Los fans mexicanos ya están acostumbrados a que Crunchyroll nos trate bien, y esta oferta es un guiño directo a una de las bases de usuarios más fieles de la región. México es un mercado clave para el anime y la plataforma lo sabe. Por eso, además del descuento, durante Ani-May también han estado activando experiencias en la calle (como las Ecobici tematizadas y el mobiliario urbano) y estrenos especiales.

Si aún no te has animado a dar el salto al premium, esta es tu oportunidad. Crunchyroll tiene el catálogo de anime más grande del mundo y, con esta promo, el costo por hora de entretenimiento es ridículamente bajo. Además, ver sin comerciales cambia la experiencia: no hay nada más frustrante que estar en el clímax de una pelea y que te corte un anuncio de jabón.

En Plétora Network, donde el anime también es parte de nuestro ADN, te recomendamos aprovechar. No sabemos cuándo volverá a haber una oferta así de amplia. Así que corre la voz, comparte el link y dale click a crunchyroll.com antes del 21 de mayo (o 31 en algunos países). El anime no espera, y tu maratón de My Hero Academia tampoco.

La Era Oscura de la Animación no fue un accidente: fue decisión empresarial. Reciclaje, televisión barata y una industria que aprendió a sobrevivir sin arte. Hoy la historia se repite con IA.

Babe, el cerdito que desafió su destino y enseñó que la empatía puede romper cualquier jerarquía. Una fábula sobre identidad, liderazgo y comunidad. Disponible en Plétora Kids.

ANI-MAY: Crunchyroll lleva el anime a las calles de la Ciudad de México con una campaña masiva de mobiliario urbano

Si eres de los que vive metido en el anime y siempre has soñado con que el mundo exterior se pareciera un poquito más a tu serie favorita, este mes la Ciudad de México está más cerca de ese sueño. Crunchyroll lanzó su campaña global ANI-MAY, y aunque el nombre ya nos daba una pista, lo que está haciendo en las calles de la CDMX es una carta de amor directa al fandom. No se trata solo de estrenos en streaming (que también), sino de literalmente tomarse la ciudad.

La movida es simple pero efectiva: llevar el anime al mobiliario urbano. Desde este mes, las Ecobici de la ciudad lucen con diseños inspirados en las series más populares de la plataforma. No es un detalle menor: son 74 ubicaciones clave en las zonas de mayor flujo de la capital. Imagínate ir por tu bici prestada y encontrarte con una ilustración de Chainsaw Man, Jujutsu Kaisen o Spy x Family en el marco. Es básicamente un museo de arte otaku rodante.

Roberta Fraissat, directora de marketing de Crunchyroll para Latinoamérica, lo explicó así: “Llevar el Ani-May a las calles es una forma de traducir, en el mundo físico, la fuerza que el anime ya tiene en la vida cotidiana de los fans”. Y sí, porque en México el anime no es un gusto de nicho: es parte del paisaje emocional de millones de personas. Esta campaña es un reflejo de eso, no una imposición. La idea es que la gente se tope con el anime en medio de su rutina diaria, sin buscarlo, y recuerde que la cultura pop también se vive en la banqueta.

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La campaña, desarrollada por Dentsu Creative, incluye mobiliario urbano, bicicletas y presencia especial en el WTC (Mundo Imperial). La estrategia busca alcanzar una cifra histórica: 40 millones de impactos estimados durante todo el mes. No es para menos: si caminas por Reforma, Insurgentes o el Centro Histórico, es muy probable que te topes con un cartel de tu personaje favorito. Y si no, siempre puedes rentar una Ecobici y llevarte la sorpresa rodando.

Pero esto no es solo publicidad. Es una forma de hacerle saber a la gente que el anime ya no es un contenido de “raros” o algo que ves escondido en tu cuarto. Es una industria cultural masiva que mueve pasiones, modas, arte y hasta formas de vestir. Que una empresa como Crunchyroll invierta en saturar la ciudad de anime es una señal de que el fandom mexicano es un monstruo imparable. Y no, no es exageración: si la campaña logra esos 40 millones de impactos, estaríamos hablando de que casi la mitad de la Zona Metropolitana vería algo relacionado con anime en su día a día.

Además, la campaña no se queda en lo visual. Todo este despliegue es un gancho directo para que la gente sepa que Crunchyroll tiene un catálogo enorme y que, además, está celebrando ANI-MAY con estrenos especiales como la película de Chainsaw Man: Reze Arc y el episodio final extendido de My Hero Academia. Así que ya sabes: ves la bici, te da curiosidad, llegas a tu casa y te avientas una maratón. Jugada perfecta.

En Plétora Network, celebramos este tipo de acciones porque acercan la cultura del anime a todos los rincones, incluso a quienes no son fans de hueso colorado. No se necesita ser un experto en mangas para sentir la emoción de ver a Denji en una Ecobici o a Anya sonriéndote desde un paradero. El anime es para todos, y que la ciudad lo demuestre es un lujo que hace unos años hubiera sido impensable. Así que ya sabes: sal a la calle, toma foto de las bicis, presume tu personaje favorito y recuerda que el ANI-MAY también se vive en la banqueta.

The Holy Gasp llegó a México (y se agota): solo seis piezas de un colectivo que transforma el duelo en arte

The Holy Gasp no es una banda en el sentido convencional. Es un colectivo multigénero fundado en Toronto en 2011 por el poeta y compositor Benjamin Hackman, cuya alineación cambia según el proyecto, funcionando como un “circo conceptual” de músicos, actores y artistas visuales. Su propuesta mezcla teatro, spoken word, música orquestal, jazz, comedia negra y referencias bíblicas. Hackman describe el proyecto como un contenedor para su poesía: la música es el vehículo, la palabra es el núcleo. Ahora, por primera vez (y quizás de forma limitada), parte de su obra está disponible en México a través de Plétora Shop, con un drop de solo seis piezas físicas entre vinilos y cassettes.

El colectivo ha construido una discografía que funciona como una exploración del trauma y el duelo. Su álbum debut, The Last Generation of Love (2015), financiado por el Toronto Arts Council, fue considerado por varios medios canadienses como uno de los mejores discos del año. Le siguió The Love Songs of Oedipus Rex (2018), un álbum conceptual grabado con 27 músicos que aborda una crisis matrimonial y la muerte del padre del protagonista. La obra alcanzó el primer lugar en radios universitarias de Windsor y Detroit, y fue tema de un documental de la CBC sobre la transformación del trauma en arte.

El proyecto más reciente y ambicioso es …And the Lord Hath Taken Away (2024-2025), una obra orquestal de 45 músicos presentada como un funeral performático, inspirada en el Libro de Job y en el duelo personal de Hackman, quien perdió a su padre, a su terapeuta de larga trayectoria y atravesó un divorcio en un periodo breve. El líder del colectivo se trasladó a una residencia artística en Toronto Island para componer y grabar el álbum, describiéndolo como un “retrato poético” sobre la salud mental y el sufrimiento humano. En un documental, Hackman reflexiona sobre la delgada línea entre el arte y la autodestrucción, admitiendo que el proceso creativo, aunque inicialmente terapéutico, terminó dejándolo frente a un vacío existencial.

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La estética de The Holy Gasp se caracteriza por un humor involuntario: Hackman ha declarado que intenta ser serio, pero lo serio se vuelve cómico. Sus conciertos están diseñados como rituales: funerales, ceremonias, procesiones con aires de vaudeville y caos controlado. Este enfoque ha generado ciertas controversias artísticas, como el cuestionamiento sobre si convertir el duelo real en performances masivas puede considerarse “estetización del sufrimiento” o explotación emocional. También el uso intenso de imágenes bíblicas —Job desnudo cubierto de ceniza, rituales fúnebres, castigos divinos— ha provocado debates sobre irreverencia o apropiación espiritual, y algunos sectores del rock y el indie canadiense consideran que su estilo es “excesivo” o “más teatro que música”.

El drop mexicano, realizado en colaboración con Plétora Shop, consta de solo seis piezas físicas: vinilos sencillos, un doble vinilo y cassettes, acompañados de una taza edición México. Los paquetes se ofrecen en dos formatos: el Pack Ritual (519 MXN) que incluye un vinilo sencillo más la taza, y el Pack Acto Final (1,049 MXN) que agrupa el doble vinilo, un cassette y la taza. La tienda advierte que este tipo de lanzamiento no se repone, y que algunas piezas ya han sido apartadas.

La presencia de The Holy Gasp en México no incluye presentaciones en vivo confirmadas hasta el momento, sino un acceso puntual a su obra física a través de una alianza de distribución. El colectivo ha tenido otros proyectos paralelos, como la composición de una banda sonora para la película muda The Freshman (1925), comisionada por el Toronto Outdoor Picture Show, y cortometrajes como Devil Oh Devil. Su importancia radica en ser uno de los proyectos más literarios y teatrales de la música canadiense contemporánea, capaz de convertir la vulnerabilidad extrema en arte colectivo, donde cada obra se presenta como un evento, no solo como un álbum.

En Plétora Music, la llegada de The Holy Gasp representa una oportunidad para acceder a un proyecto que rara vez cruza fronteras. No es un lanzamiento masivo ni un catálogo abierto, sino una existencia limitada. Para quienes buscan música que no se juzga sino que se comparte, y que entienden lo que significa tener un objeto sonoro en las manos, el drop está disponible hasta agotar existencias.

PAON debuta con Philosophie du Soi: un EP de cinco temas entre el jazz de vanguardia y la electrónica experimental

Philosophie du Soi es el EP debut de PAON, un dúo integrado por la vocalista Pernelle (conocida por su trabajo en Stellar Blade, Outer Worlds 2 y Goddess of Victory: Nikke) y el compositor Lemm (colaborador en Hatsune Miku: Project DIVA Arcade). El lanzamiento, bajo el sello Scarlet Moon, consta de cinco temas que el proyecto define como “space jazz”: una mezcla de jazz de vanguardia, electrónica experimental, ambient y texturas cinematográficas. El EP funciona como el primer capítulo de una historia más amplia que se desarrollará en múltiples actos, explorando la relación entre imaginación y realidad, donde los cuerpos celestes son concebidos como sueños manifestados a escala cósmica.

Pernelle, quien previamente había participado en bandas sonoras de videojuegos, utiliza PAON como una nueva identidad creativa centrada en narrativas originales, desligada de franquicias establecidas. La vocalista ha declarado que el proyecto integra materiales que escribió a lo largo de su vida, incluyendo guiones de cine y teatro que construyen mundos, culturas y lenguajes ficticios. “PAON es un proyecto que he estado gestando con ideas desde que tengo memoria”, comentó en el comunicado de prensa. El nombre del dúo hace referencia al pavo real, que según Pernelle simboliza la infinitud de su mundo imaginario.

Musicalmente, Philosophie du Soi transita entre atmósferas contenidas y momentos de mayor densidad instrumental. La producción prioriza la textura sobre el virtuosismo, con capas de sintetizadores, secciones rítmicas electrónicas y espacios donde la voz de Pernelle se integra como un elemento más del paisaje sonoro. El EP está disponible en plataformas digitales y de streaming, con una portada alternativa exclusiva para quienes lo adquieran en Bandcamp.

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El proyecto PAON se presenta como un formato de larga duración donde cada lanzamiento (EP, sencillo o video musical) aporta a una narrativa mayor. Según la información proporcionada, el dúo planea futuras colaboraciones y presentaciones en vivo, así como material visual adicional. La conexión con las raíces de la música de videojuegos es un elemento presente, aunque el proyecto busca una audiencia que va más allá de los gamers.

El lanzamiento de Philosophie du Soi continúa la línea del sello Scarlet Moon, que ha publicado proyectos de artistas como Norihiko Hibino (Metal Gear Solid) y ha desarrollado series como Prescription for Sleep. En este caso, PAON representa una apuesta por la fusión de géneros y la narrativa serializada dentro de un formato musical, con una estética que combina ciencia ficción, jazz y elementos de improvisación controlada.

En Plétora Music, el EP de PAON se presenta como una propuesta que busca equilibrar la tradición del jazz con la producción contemporánea y la construcción de mundos ficticios. No se trata de un producto pensado para el consumo inmediato, sino para una escucha atenta y la exploración de sus capas narrativas.